8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022

Ausstellungen 2022

^{Herbert List, Unter dem Poseidontempel, Sounion, 1937. Münchner Stadtmuseum, Sammlung Fotografie, Archiv List © Herbert List Estate, Hamburg, Deutschland}

Bucerius Kunst Forum
Herbert List. Das Magische Auge
14. Mai – 11. September 2022

Das Bucerius Kunst Forum präsentiert die erste internationale Gesamtschau des in Hamburg geborenen Fotografen Herbert List (1903-1975) seit mehr als zwei Jahrzehnten. Die Retrospektive spannt den Bogen von seinen surrealistischen Werken vor 1945 über seine bildgewordenen Träume einer lebendigen Antike und die umfassenden Bildreportagen außereuropäischer Kulturen bis zu den Männerakten, mit denen List ein Bekenntnis zur eigenen Homosexualität ablegte.

Sein Werk vor 1945 ist von der Malerei der pittura metafisica und der Kunst des Surrealismus nachhaltig geprägt. Ähnlich wie Giorgio de Chirico oder René Magritte war es Lists Anliegen, das Hintergründige und Mehrdeutige der Wirklichkeit sichtbar zu machen. Viele seiner Aufnahmen, die in Hamburg, Paris oder Athen entstanden, verströmen eine Aura des Geheimnisvollen und Rätselhaften. Im mediterranen Griechenland und Italien verbildlichte List zudem den Traum von einer lebendigen Antike. Eine Wiederbelegung dieser magischen Bildwelt suchte und fand List später in den Trümmern des zerstörten München nach 1945. Nach Kriegsende wandte er sich vor allem dem Fotoessay zu. Es entstanden umfassende Bildreportagen über Neapel, die Karibik, Mexiko, die als Buch oder in den führenden Magazinen und Illustrierten wie LIFE, Heute oder DU veröffentlicht wurden. Sein Interesse an den außereuropäischen Kulturen führte schließlich zu umfassenden Bildserien von nigerianischen, ozeanischen und präkolumbianischen Skulpturen. Weitere Kapitel sind dem Männerakt und den Porträts von Künstlern der klassischen Moderne wie Picasso, Miró, Braque, Chagall, Calder, Morandi oder Schriftsteller:innen wie Pasolini und Ingeborg Bachmann gewidmet.

Insbesondere in den Porträts und seiner frühen Street Photography zeigt sich Herbert Lists Interesse am Austausch mit dem Menschen und dessen Geschichte, die sich auch in seinen Bildreportagen niederschlägt. Seine ‚Currency‘ ist der unvoreingenommene Blick auf sein Gegenüber und das Interesse an seinem Innersten.

Die Ausstellung, die in Zusammenarbeit des Bucerius Kunst Forums mit dem Herbert List-Archiv des Münchner Stadtmuseums entsteht, präsentiert zirka 220 Originalaufnahmen aus dem Zeitraum von 1930 bis 1965. Weitere Informationen.

Kuratiert von Dr. Kathrin Baumstark and Dr. Ulrich Pohlmann.

^{Charlotte March, Donyale Luna mit Schmuck für twen, 1966, Schwarzweißfotografie, Baryt, 30 × 40 cm © Charlotte March, Deichtorhallen Hamburg/Sammlung Falckenberg}

Deichtorhallen Hamburg:
Sammlung Falckenberg
Charlotte March: Fotografin / Photographer
20. Mai – 4. September 2022

Die groß angelegte Werkschau Charlotte Marchs (1929–2005) in der Sammlung Falckenberg legt den Fokus auf die bisher wenig bekannten Arbeiten der für Ihre Mode- und Werbeaufnahmen bekannten Hamburger Fotografin. Der knapp 7000 Werke umfassenden Nachlass ist seit 2006 Bestandteil der Sammlung Falckenberg. Er bildet die Grundlage für die Neuentdeckung der Fotografin, die für Magazine wie Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper’s Bazaar und Twen gearbeitet hat. Das 1977 im Selbstverlag veröffentlichte Buch „Mann, oh Mann – Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes“ wurde breit diskutierte, zeigte es doch erstmalig explizit eine weibliche Sicht auf den männlichen Körper.

Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt durch alle Schaffensphasen der Künstlerin, von ihren frühen Fotografien im Hamburg der 1950er Jahre, ihren Reisen nach Italien in den 1960ern, bis hin zu ihren späteren internationalen Mode- und Werbefotografien. Ein besonderer Fokus liegt dabei auf Marchs Tätigkeit in und ihrem Bezug zur Stadt Hamburg, in der sie Zeit ihres Lebens wohnte.

Schon in den 1950er Jahren zeigt uns ihr hochsensibler Blick auf das Nachkriegs Hamburg die verschiedenen Facetten der Stadt und des Menschseins. Ihr Interesse an den Menschen und wie sie ihren Lebensunterhalt bestreiten, ihr Blick auf die Ränder der Gesellschaft und der Stadt führt sie auch an marginalisierte, gänzlich unglamoröse Orte. Ihr Blick hinter die Kulissen der Stadt zeigt uns die Lebensumstände von Bonbon-Machern, Schmieden und Kassiererinnen wie auch das Leben auf der Reeperbahn. 

Gerade ihr frühes Werk bildet ein wichtigen, bisher wenig beachteten Beitrag zum kulturellen Gedächtnis der Stadt Hamburg und darüber hinaus. Die Ausstellung in der Sammlung Falckenberg wird in enger Zusammenarbeit mit Manju Sawhney realisiert, Fotografin und langjährigen Assistentin Marchs und Archivarin des Bestands.

Kuratiert von Goesta Diercks und Dirk Luckow in Kooperation mit Manju Sawhney.

Osamu James Nakagawa, Fences, 2019 © Osamu James Nakagawa

Deichtorhallen Hamburg:
Halle für aktuelle Kunst
Currency. Photographie jenseits der Aufnahme
20. Mai – 18. September 2022

Die Ausstellung Currency: Photography Beyond Capture (Photographie jenseits der Aufnahme) untersucht die künstlerische Auseinandersetzung mit Photographie im "retinalen Zeitalter", in dem Bilder nicht nur Themen und Ereignisse dokumentieren, sondern das Sehen und Gesehen-werden grundlegend prägen. Die Ausstellung zeigt Photographie nicht als Dokument von Essenz oder verbindlicher Wahrheit, sondern als Rahmen und Kontext für erzählerische Erfindungen. Currency betrachtet wie Wissen gewonnen wird und wie dieses über die konzeptuellen Ansätze des Mediums Photographie neu gedacht werden kann.

Die Ausstellung verwebt Formen experimenteller Aufnahmen mit archivarischer und dokumentarischer Praxis und beschwört alle Sinne ansprechende Erscheinungen herauf. Sie inszeniert Arbeiten vielgestaltiger photographischer Praxen und strukturiert diese anhand wesentlicher Motive: der Gegenüberstellung und Dekonstruktion visueller Kanons, der Darstellung aus dem Inneren von Gemeinschaften und sozialen Beziehungen, einer Gegenkartierung des Anthropozäns anhand von durch militärische Besatzung oder extraktivem Kapitalismus geprägten Landschaften, der Zärtlichkeit und der Währung des Intimen jenseits konventioneller Porträts, sowie poetischer Erkundungen alchemistischer Prozesse der Photographie.

Mit Arbeiten von Akinbode Akinbiyi, Claudia Andujar, Ziad Antar, Vartan Avakian, Ragnar Axelsson, Edson Chagas, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Lyle Ashton Harris, Leslie Hewitt, Alfredo Jaar, Lebohang Kganye, Clifford Prince King, Osamu James Nakagawa, Guevara Namer, Marilyn Nance, rana elnemr, Mame-Diarra Niang, Otobong Nkanga, Elle Pérez, Jo Ractliffe, Ashfika Rahman, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Fazal Sheikh, Alexey Vasilyev, Carrie Yamaoka, Raed Yassin und Paul Yeung.

Kuratiert von Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo und Oluremi C. Onabanjo.

^{Christoph Irrgang, aus der Serie: Behind the Scenes, 2021 © Christoph Irrgang}

Deichtorhallen Hamburg:
PHOXXI, the Temporary House of Photography
Behind the Scenes 
20. Mai – 14. August 2022

Die zweiteilige Ausstellung »Behind the Scenes« im PHOXXI, dem temporären Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg dreht sich um Prozesse von Austausch und Veränderung, mit denen die fotografische Sammlung des Hauses konfrontiert ist.

Der Fotograf, Geschäftsmann und Sammler F.C. Gundlach (1926–2021) hat das Sammeln nie ausschließlich als Wertanlage verstanden, sondern ist vor allem seiner Leidenschaft und seinem Engagement, Fotografie zu fördern, nachgegangen. Dennoch ist die private Sammlung F.C. Gundlach mit ihrem hohen kulturellen Wert eine machtvolle kulturelle „Währung“, die zur Gründung des Haus der Photographie in der südlichen Deichtorhalle 2003 führte. 

Im Fokus dieser Ausstellung steht der Umzug der Bestände der Sammlung F.C. Gundlach, der durch die umfassende, dreijährige Sanierung des Gebäudes notwendig wurde. Der in Hamburg ansässige Fotograf Christoph Irrgang begreift den Umzug der Sammlung F.C. Gundlach als künstlerische Herausforderung, die er fotografisch in ebenso sachlicher wie poetischer Auseinandersetzung begleitet. Fasziniert ihn dabei die nicht öffentliche und sehr intime Arbeitssituation in den Magazinen und Depots, bildet er anhand begrifflicher Gegensätze wie ‚hell/dunkel‘ oder ‚innen/aussen‘ sichtbare, aber auch erst sichtbar zu machende Details der Arbeit mit der Sammlung ab.

Ergänzt wird Irrgangs analytisch-fotografische Arbeit durch eine Kooperation mit der Hamburger Fotofachzeitschrift Photonews. Zeitung für Fotografie. Die Atmosphäre und das internationale Flair der Paris Photo, der seit 1997 weltweit größten fotografischen Messe mit Beteiligung internationaler Galerien, Verlage und Prominenz, wird von den Photonews Redakteur*innen Anna Gripp und Denis Brudna regelmäßig fotografisch beleuchtet. Die alljährlich im November im Grand Palais stattfindende internationale Messe mit etwa 200 beteiligten Galerien und Verlagen hat längst die Bedeutung einer machtvollen „Börse“ der Fotografie erlangt. Für den Sammler F.C. Gundlach hatte die Paris Photo im Jahreskalender größte Bedeutung – dort traf er andere Sammler, Freunde, Galeristen und Künstler, frischte seine Kontakte auf, knüpfte neue Verbindungen und – kaufte fotografische Kunst. 

Bieten Irrgangs farbige und schwarz-weiße Fotografien in detaillierten Ansichten einen Einblick in den Mikrokosmos einer privaten Sammlung, eröffnen Brudna und Gripp in Form filmischer Beiträge und einer Fülle von Fotografien der Paris Photo einen spannungsvollen und atmosphärisch dichten Blick über das vibrierende Treiben des internationalen Events unter der gläsernen Kuppel des Grand Palais.

Kuratiert von Dr. Sabine Schnakenberg (Kuratorin der Sammlung F.C. Gundlach).

^{Sara Cwynar, Glass Life (Videostill), 2021, Sechs-Kanal Video mit Ton, 19:02 Min. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, The Approach, London und Foxy Production, New York © Sara Cwynar}

Hamburger Kunsthalle
Give and Take. Bilder über Bilder
20. Mai – 29. August 2022

»Give and Take« – Geben und Nehmen – beschreibt Prozesse des Austauschs und der Aneignung von Bildmaterial in der zeitgenössischen Fotografie. Bilder zirkulieren und migrieren über geographische, kulturelle und soziale Grenzen hinweg. Die Kontexte, in der ein und dieselbe Fotografie heute erscheint, haben sich potenziert und damit auch ihre Wirkung. Die Bedeutung von Bildern – auch des eigenen – lässt sich kaum noch kontrollieren. In diesem Spannungsfeld eignen sich Künstler*innen Bilder aus den verschiedensten Feldern an, um die Mechanismen der Produktion von Realitäten und Identitäten zu erforschen.

Von frühen Bildarchiven, historischen Filmaufnahmen und Museumssammlungen, über die klassischen Printmedien bis hin zu digitalen Bildern auf Social Media und in Bildersuchmaschinen reichen die Materialsammlungen, aus der sich Künstler*innen der Ausstellung bedienen. In fotografischen, filmischen und installativen Arbeiten reagieren sie auf Bilder, die aus einer anderen Zeit stammen oder für einen anderen Zweck entwickelt wurden. Angefragte Künstler*innen: Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Louise Lawler, Max Pinckers, Walid Raad, Sebastian Riemer, Volker Renner, Taryn Simon u. a. Weitere Informationen.

Kuratiert von Dr. Petra Roettig, Stephanie Bunk, Leona Marie Ahrens.

^{Hans Meyer-Veden, Rethespeicher in Hamburg-Wilhelmsburg © Nachlass Hans Meyer-Veden, Stiftung F.C. Gundlach}

Jenisch Haus
Chiffren einer Stadt. Fotografien von Hans Meyer-Veden
Mit drei Interventionen des Fotografen Michael Meyborg, der mpz Filmgruppe und des Street-Art Künstlers TONA
Eine Ausstellung der Stiftung F.C. Gundlach im Jenisch Haus
20. Mai 2022 – 13. Februar 2023

Auf dem Weg zum Meer trifft die Elbe auf Hamburg und gibt der Stadt am Fluss ihren besonderen Charakter. Der Fotograf Hans Meyer-Veden hat die Stadt am Strom über mehr als drei Jahrzehnte hinweg in ausdrucksstarken Bildern festgehalten: Ein Flaneur mit Kamera, zu Fuß unterwegs in den Straßen und Gassen, am Wasser und in der Marsch. Mit sicherem fotografischem Blick wählte er seine Motive: Architekturensembles und -details in den schmalen Gassen von Altona und zwischen den Kontorhäusern der Speicherstadt, technische Apparaturen und Anlagen im Hafen, Natur in Stadt und Land und die immer wieder neu erscheinende Wasseroberfläche der Elbe.

Geboren 1931 in Stade und 1982 nach Altona gezogen hat Meyer-Veden den urbanen Raum in seiner Vielfalt und seinem Wandel bis zu seinem Tod 2018 in seiner ihm eigenen Bildsprache fixiert. Seine fotografischen Erkundungen gewinnen ihre Spannung aus dem Gegensatz zwischen der subjektiven, fein gestalteten Ästhetik einerseits und einem Streben nach objektiver Darstellung andererseits. Auffallend ist dabei die Abwesenheit der Menschen: Im krassen Gegensatz zu den Vertretern der klassischen Street Photography rückte Hans Meyer-Veden die Bewohner der Stadt nicht in den Fokus seiner Aufnahmen. Diese besondere Haltung hat er selbst mit einem „radikale[n] Wechsel in der Gebrauchsweise von Photographie“ erklärt, die er 1982 in der Begegnung mit der Großstadt als notwendig empfand: Weg von der „Ästhetik eines repräsentativen Augenblicks“ hin zu einer „auf das Ganze gerichteten Beobachtung“.

Im Rahmen der 8. Triennale der Photographie unter dem Motto ‚Currency‘ ergänzen drei Interventionen die Ausstellung um alternative Blickwinkel, die Hans Meyer-Vedens Themen und Aufnahmen perspektivisch erweitern: Eine Werkgruppe des Fotografen Michael Meyborg zeigt das Leben der vor allem türkischstämmigen Gastarbeiter in Altona um 1980, der Film „Terrible Houses in Danger“ der mpz Filmgruppe holt den Protest der Hausbesetzer an der Hafenstraße bis 1985 ins Bild und die seit 1999 entstandenen Arbeiten des Street-Art Künstlers TONA  laden zu einer aktuellen Form der visuellen Auseinandersetzung mit der urbanen Gesellschaft am Fluss ein. Weitere Informationen.

Die Ausstellung umfasst 100 Handabzüge des Fotografen Hans Meyer-Veden, eine Tafel mit Dokumentarfotografien von Michael Meyborg, eine Videopräsentation der mpz Filmgruppe und eine Wandinstallation von TONA.

Kuratiert von Sebastian Lux, Jasmin Seck (Stiftung F.C. Gundlach) und Nicole Tiedemann-Bischop (Leiterin des Jenisch Hauses).

^{Formafantasma, Cambio, 2020, video still}

Kunsthaus Hamburg
Formafantasma: Seeing the Wood for the Trees
20. Mai – 31. Juli 2022

Die Ausstellung im Kunsthaus Hamburg zeigt drei Teile aus dem umfangreichen Rechercheprojekt Cambio des italienischen Designduos formafantasma. In Form von collagierten Bildessays zeichnen sie darin die Entwicklung und Regulierung der globalen Holzindustrie nach, die im 18.- 19. Jahrhundert vor allem in den kolonialisierten Regionen entstand. Die Erfassung der Natur als Rohstoff und Handelsware sowie die Beziehung des Menschen zur Natur wird hier im Spiegel historischer, wissenschaftlicher und dokumentarischer Fotografien und Filmausschnitten beleuchtet. Das Greenscreen-Verfahren dient den Künstlern dabei als prägendes Gestaltungsmittel, welches auf visueller Ebene der Vielschichtigkeit der Narration und Informationsquellen entspricht.

Die beiden filmischen Essays Cambio und Seeing the Wood for the Trees machen deutlich, welche Rolle die europäischen und globalen Regularien bei der Kontrolle der Holzindustrie spielen und welche Bedeutung diese für die globale Klimakrise hat. Die Arbeiten fragen, wie ein weitreichenderes Verständnis von Materialität für einen ganzheitlichen Anspruch an Design und an unsere Beziehung zur Welt dienen kann. Die Videos ziehen eine Verbindungslinie von der Naturbeschaffenheit des Holzes zu ihren abstrakten, aber allgegenwärtigen Implikationen von Ausbeutung, Kolonialismus und Konsumkultur.

Ein zusätzlicher, rein mit Lasertechnologie erzeugter Film (Quercus) entstand in Zusammenarbeit mit dem Philosophen und Botaniker Emanuele Coccia. Aus der Perspektive eines imaginären Waldes stellt er mit seinem philosophischen Narrativ das menschliche Überlegenheitsgefühl in Frage und beschreibt, wie groß die Abhängigkeit des Menschen von der natürlichen Beschaffenheit der Bäume ist. Der Laserscanner, mit dem der Film erstellt wurde, dient ursprünglich der Kartografie und Archäologie, wird neuerdings aber auch zur selektiven Rodung in der Holzindustrie eingesetzt. 

Formafantasma ist ein forschungsorientiertes Designstudio, das die ökologischen, historischen, politischen und sozialen Faktoren untersucht, welche für das Designs heute prägend sind. Seit der Gründung des Studios im Jahr 2009 sehen sich die Italiener Andrea Trimarchi und Simone Farresin einem verantwortungsvollen Bewusstsein verbunden und verfolgen einen ganzheitlichen Ansatz des Designthinking. Weitere Informationen.

Kuratiert von Katja Schroeder.

^{LaToya Ruby Frazier, Tuklor and Moses West Helping Deontray Crocket and a Flint Community Member Refill Jugs to Distribute to Elderly and Disabled Community Members (Ms. Rene Cobb and Shea Cobb Look On, and a Flint Community Member Passes By), Flint, Michigan, 2019. Archival Inkjet Print on Hahnemühle FineArt Baryta, 40 x 30 inches (101.6 x 76.2 cm) © LaToya Ruby Frazier. Courtesy of the artist and Gladstone Gallery}

Kunstverein in Hamburg
LaToya Ruby Frazier: Flint is Family, Act III
20. Mai – 2. Oktober 2022

Der Kunstverein in Hamburg präsentiert mit Flint is Family, Act III von LaToya Ruby Frazier (*1982) den letzten Teil einer Fotoserie, die die von 2014 bis 2019 dauernde Wasserkrise in Flint, Michigan, dokumentiert. Über das Aufzeichnen der Geschichten der Bewohner:innen von Flint zeigt Frazier die unmittelbaren Auswirkungen der Vernachlässigung der städtischen Wasserversorgung durch Industrie und Regierung auf das Leben der Gemeindemitglieder.

In dem letzten Akt zeigt Frazier, wie Shea Cobb, Amber Hasan und sie selbst – drei afroamerikanische Frauen aus der Arbeiterklasse – das Ruder in die Hand nahmen, um einer Community, die Angriffen ausgesetzt ist, Ressourcen und Hilfe zukommen zu lassen.

Frazier knüpft an die künstlerischen Praxis von Gordon Parks und Ralph Ellison und deren Fotografien aus dem Harlem der 1940er Jahre an und nähert sich den Ungerechtigkeiten von heute als Fortsetzung dieser sozialen, formal pointierten wie politisch eindringlichen Dokumentarfotografie. Fraziers Aktivismus, der sich auf die aktive Auseinandersetzung mit Fragen sozialer Ungerechtigkeit, Arbeitnehmer:innenrechten, Rassismus und Umweltverschmutzung in Städten konzentriert, die durch die Deindustrialisierung in den Ruin getrieben wurden, findet in dem Thema der 8. Triennale der Photographie – Währung –  eine genuine Entsprechung. Weitere Informationen.

Kuratiert von Nicholas Tammens.

^{Album mit Studioportraits, Stadtansichten und Landschaftsaufnahmen aus Singapur; 1868; MARKK Fotografische Sammlung © MARKK, Foto: Paul Schimweg}

MARKK – Museum am Rothenbaum. Kulturen und Künste der Welt
Archiv der Erfahrungen
20. Mai – Oktober 16. 2022

Fotografien scheinen oft Aufzeichnungen vergangener Momente, Ereignisse und Erinnerungen zu sein. Mit Materialien aus verschiedenen geopolitischen Regionen und sozialen Hintergründen aus der ganzen Welt wird das Fotoarchiv zu einer Quelle von sich überschneidenden Geschichten. Im Mittelpunkt der Ausstellung "Archiv der Erfahrungen" im MARKK steht ein Fotoalbum aus dem Jahr 1868, das mit der Stadt Singapur und einer Hamburger Kaufmannsfamilie verbunden ist. Die Ausstellung thematisiert die vielschichtigen Erinnerungen und umstrittenen Bedeutungen eines solchen ursprünglich privaten Bildbestandes, der heute Teil der fotografischen Sammlung des MARKK ist. Die visuelle Begegnung der Sujets, der Materialität und der Verbreitungswege wird mit dem übergeordneten Thema der 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 "Currency" in Resonanz treten.

Die Ausstellung zeigt beeindruckende Fotografien von Menschen, Landschaften und Architekturen mit Bezug zu Singapur und Südostasien aus den ersten Jahrzehnten der Fotografie. Die Ausstellung geht davon aus, dass das Museum ein Ort ist, der das Potenzial hat, neue Bezugsrahmen zu eröffnen, in denen Fotografien die vorherrschenden Narrative unterbrechen können. Sie versucht, Wahrnehmungen zurückzufordern, die durch den Konsum von Fotografien geformt wurden, insbesondere in Szenarien, in denen Fotografien als Werkzeuge zur Registrierung und Fixierung von Identitäten und zur Anhäufung von Wissen und damit von Macht über andere verwendet wurden. Der Künstler Kelvin Haizel, der im Rahmen von „MARKK in Motion“ als Artist in Residency am MARKK arbeitet, wird sich mit dem Fotoarchiv auseinandersetzen, um ein entsprechendes Kunstwerk für die Ausstellung zu schaffen und so diese Muster der Wertbildung und Einschreibung zu hinterfragen.

Kuratoren: Martha Kazungu und Gabriel Schimmeroth.

^{Baha Targün mit Megaphon am Werkstor von Ford in Köln-Niehl, August 1973 © Gernot Huber}

Museum der Arbeit
Streik! Fotogeschichten von Arbeitskämpfen
20. Mai – 3. Oktober 2022

Die Ausstellung wird am Beispiel verschiedener historisch und medial bedeutsamer Arbeitskonflikte den Versuch unternehmen, eine Ikonografie des Protests aufzuzeigen. Dabei soll sich der Blick vor allem auf die Beteiligten und ihre Erfahrungen richten: auf Akteur*innen, Aktionsformen, Solidarisierungen und auf den Umgang mit Erfolg oder Niederlagen. Darüber hinaus sollen der mediale Umgang der Protestform des Streiks und deren öffentliche Wahrnehmung thematisiert werden.

Ausgangspunkt der Ausstellung werden die Streiks sein, die mit den Strukturkrisen der einst führenden regionalen Branchen verbunden sind: das Zechensterben in den 1960er Jahren und die Stahlkrise ab den 1980er Jahren im Ruhrgebiet (Besetzung Rheinhausen) sowie die Werftenkrise in Hamburg („HDW-Besetzung“). Die Montankrise und der Niedergang des Schiffbaus haben die beiden Regionen stark beeinflusst und die Abwehrkämpfe haben für die Identität der Arbeiter*innen eine wichtige Rolle gespielt - sie sind Teil der regionalen Erinnerungskultur geworden. 

Kuratiert von Stefan Rahner.

^{Aus der Ausstellung Macht. Mittel. Geld. © Chris Schwagga}

Museum für Hamburgische Geschichte
MACHT. MITTEL. GELD. Image as currency? Currency as image!
20. Mai – 15. August 2022

Das Museum für Hamburgische Geschichte (MHG) präsentiert gemeinsam mit der mexikanisch-deutschen Kuratorin Yolanda Gutiérrez und dem ruandischen Fotografen Chris Schwagga eine zwischen musealen Objekten, Tanz und Photographie angesiedelte künstlerische Installation. Inspiriert vom Motto der Phototriennale und von der Objektgruppe der Kolonialmünzen in der Sammlung des Museums sollen die Münzen durch eine fotographisch festgehaltene tänzerische Intervention in Bewegung gebracht werden. 

Mit der Tänzerin Eva Lomby, mit der Gutiérrez bereits zusammengearbeitet hat, wird die Ausdruckskraft des Körpers als Inspirationsquelle in den Schaffensprozess Schwaggas mit einbezogen. Es entsteht eine Collage aus Fotographien und Exponaten aus dem Museum für Hamburgische Geschichte und u.U. auch aus dem Museum am Rothenbaum, Kulturen und Künste der Welt (MARKK). Der Fotograf beleuchtet dabei verschiedene Aspekte aus unterschiedlichen Perspektiven: historische, (post-)koloniale, kulturelle, soziale, ästhetische, technische. Schwagga nimmt dabei gleichzeitig den Blick der ehemals Kolonisierten auf. Welche Bedeutung und Funktion hatten diese Münzen – für wen? Welche wirtschaftlichen, sozialen und kulturellen Auswirkungen hatte die Einführung der Kolonialwährung in der ehemaligen Kolonie Deutsch-Ostafrika? Durch die künstlerische Installation soll in mehrfacher Hinsicht ein Perspektiv- und Bedeutungswechsel ermöglicht werden, der ein anderes Licht auf die Geschichte wirft.

Kuratiert von Yolanda Gutiérrez.

^{Herbert List (1903–1975), Trepanation, 1944/46, Silbergelatinepapier, Münchner Stadtmuseum © Magnum Photos / Herbert List Estate Hamburg (Detail)}

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G)
Präuschers Panoptikum. Ein Bilderbuch von Herbert List
20. Mai – 18. September 2022

Das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) widmet sich im Rahmen der 8. Triennale der Photographie Hamburg 2022 der Neuinterpretation von zwei Werkkomplexen des Hamburger Fotografen Herbert List (1903–1975).

Der erste Teil der Ausstellung präsentiert das noch nie gezeigte Fotobuchprojekt Präuschers Panoptikum zu einem Wiener Wachsfigurenkabinett, in dem List 1944 Aufnahmen von historischen Figurengruppen, Märchenszenen und medizinisch-anatomischen Darstellungen macht. Sein Interesse galt dabei der Verlebendigung der Szenen durch die Kamera und dem gleich darauf folgenden Zerbrechen der Illusion in einem damals schon aus der Mode gekommenen Unterhaltungsmodell.

Der zweite Teil der Ausstellung widmet sich Herbert Lists Aufnahmen von jungen Männern und Skulpturen, die seit den 2000er Jahren als Vorreiter des „Queer Gaze“ wiederentdeckt wurden – einer Bildsprache, die Geschlechterstereotype und damit verbundene Machtverhältnisse in Frage stellt.

Beide Themen verbindet das Interesse des bekennenden homosexuellen Fotografen am Populären, am Kitsch und an der körperlichen Einbindung der Betrachter*innen in seine Sujets. Die Ausstellung zeigt rund 70 Fotografien von Herbert List aus den 1930er und 1940er Jahren sowie Zeitschriftenartikel, einzelne Wachsfiguren und deren Vorlagen aus der Kunstgeschichte sowie den originalen Buchentwurf für Präuschers Panoptikum. Weitere Informationen.

Kuratiert von Dr. Esther Ruelfs and Sven Schumacher.